Degree Show 2024
Blixtsko
Examensutställning fotografi HDK-Valand
Begreppet “Blixtsko” (eller “Hot Shoe”) syftar på den fästpunkt som finns på kameror för att ansluta en blixt. Uttrycket “Blixtsko” och “Hot Shoe” kan även skapa dubbeltydigheter och oväntade associationer utöver dess rent fotografiska betydelse.
Utställningen “Hot Shoe” utforskar tidsaspekter i förhållande till material, platser, ljus och ljud. Verken utmanar traditionella sammanhang och öppnar upp för fler tolkningar och världar. Konstnärerna använder sig av tekniska, historiska, popkulturella och teoretiska aspekter inom fotografi för att bredda vår förståelse om vad fotografi är och kan vara.
Årets examensutställning med studenter från fotografi programmet vid HDK-Valand – Högskolan för konst och design äger rum på Röda Sten Konsthall i Göteborg. Studenter från både kandidat- och masterprogrammen presenterar sina verk genom olika gestaltningstekniker. Förutom fotografi visas även skulptur, installationer, ljudverk, publikationer och videokonst.
Öppningsdagens program erbjuder ett antal evenemang som tal och performance.
Som en del av utställningen presenterar varje student en text på ugotphotography.se. Texterna representerar den teoretiska delen av studenternas utbildning. Frågorna kretsar kring varierande ämnen som täcker både akademiska teman och personliga reflektioner.
Följ @hdkvaland_photography_gradshow på Instagram och på Facebook för att ta del av konstnärernas arbeten och processer samt programaktiviteter.
Vernissage: 4 maj kl. 12.00 Datum: 4 maj–26 maj 2024
DELTAGANDE STUDENTER:
Kandidatprogrammet:
Max Barel, Alva Le Febvre, Mette Genet, Hilma Hedin, Nicola Helin, Rasmus Holm, Mathilda Läckberg Holmquist, Frida Lisa Carstensen Jersø, Josefin Johansson Hedman, Lisa Pettersson, Rasmus B. Strøyer, Andrea Lund Sørensen, Gloriya Talebi, Johan Holst Zwergius.
Masterprogrammet:
Kirstine Autzen, Lana Durdek, Eva Vei, Ronya Hirsma, Karin Holmer, Lisa Paulsson, Christoffer Rutström, Anna Schlechter, Jaana Sundström, Johan Windle, Nina Worren, Tom Zelger.
Hot Shoe
Graduation Exhibition Photography HDK-Valand
The term ”Hot Shoe” (or “Blixtsko”) refers to the mounting point found on cameras to connect a flash. The expressions “Blixtsko” and “Hot Shoe” can also create ambiguities and unexpected associations beyond its photographic meaning.
The exhibition “Hot Shoe” explores temporal aspects in relation to materials, places, light, and sound. The works challenge traditional contexts and open up for more interpretations and worlds. Artists utilize technical, historical, pop cultural, and theoretical aspects within photography to broaden our understanding of what photography is and can be.
This year’s graduation exhibition with students from the photography program at HDK-Valand – Academy of Art and Design takes place at Röda Sten Konsthall in Gothenburg. Students from both bachelor’s and master’s programs present their works through various forms of expression. In addition to photography, sculpture, installations, sound pieces, publications, and video art are also exhibited.
The opening day’s program offers a number of events such as speeches and performances.
As part of the exhibition, each student presents a text on ugotphotography.se. The texts represent the theoretical part of the students’ education. The questions revolve around various subjects covering both academic themes and personal reflections.
Follow @hdkvaland_photography_gradshow on Instagram and on Facebook to take part in and see the artists’ works and processes, as well as program activities.
Vernissage: May 4th at 12:00 p.m. Dates: May 4th–May 26th, 2024
PARTICIPATING STUDENTS:
Bachelor’s program:
Max Barel, Alva Le Febvre, Mette Genet, Hilma Hedin, Nicola Helin, Rasmus Holm, Mathilda Läckberg Holmquist, Frida Lisa Carstensen Jersø, Josefin Johansson Hedman, Lisa Pettersson, Rasmus B. Strøyer, Andrea Lund Sørensen, Gloriya Talebi, Johan Holst Zwergius
Master’s program:
Kirstine Autzen, Lana Durdek, Eva Vei, Ronya Hirsma, Karin Holmer, Lisa Paulsson, Christoffer Rutström, Anna Schlechter, Jaana Sundström, Johan Windle, Nina Worren, Tom Zelger.
__________
Max Barel – Still Chewing
SVENSKA Med ett diffust och tvetydigt bildspråk förmedlar Max Barel en önskan om att utforska komplexiteten i anonyma objekt och vardagliga scenarier. I en tid där bilder både är befriade från och överlastade med symbolik, skapar konstnären fotografier som kan röra sig inom de båda fälten.
Titeln Still Chewing antyder en känsla att det finns något vi fortfarande väntar på eller försöker förstå; att det alltid kommer finnas något precis utanför vår räckvidd. En hundleksak, en distanserad blick, ett objekt avskräckande för fåglar – ett landskap där den logik som vanligtvis präglar den vardag vi omges av är frånvarande.
ENGLISH Through obtuse and enigmatic images, Max Barel´s work reflect a desire too see the complexities in futile things and mundane scenarios.
At a time where images are both stripped of and doused in symbolism, the artist creates photographs that could fall into either field.
The title Still Chewing suggests that we are somehow still waiting or trying to grasp; that there will always be something a little bit out of reach. A dog toy, a distant gaze, bird spikes – a landscape where the logic that regulate everyday life is insignificant.
__________
Alva Le Febvre – Parle à ma main
SVENSKA Parle à ma main (franska för “Talk to the hand”) är ett uttryck som Alva Le Febvre ofta använde som barn för att verka kaxig. Det var även titeln på en fransk hitlåt från 2007, som gjorde satir över ytliga tjejer.
Verket markerar återkommande teman i hennes arbeten som reflekterar kring fotografi, feminina stereotyper, samt små vardagliga objekt och dess värde. Genom fotografi, installation och mörkrummet undersöker hon våldets roll i förhållande lek och femininitet. Den förstorade nyckelringen är inspirerad av Le Febvres egen nyckelknippa, som har många funktioner; ett vapen, en klase av vackra ting eller en symbol för hemmet.
ENGLISH “Parle à ma main” (French for “Talk to the hand”) is an expression Alva Le Febvre often used as a child to appear cocky, which was also the title of a French satirical song from 2007, about superficial girls.
The work highlights recurring themes in her works that reflect on photography, feminine stereotypes, as well as small everyday objects and their value. Through photography and installation, she explores the role of violence in relation to play and femininity. The enlarged keychain is inspired by Le Febvre’s own key ring, which serves many functions; a weapon, a cluster of objects of desire, and a symbol of home.
__________
Mette Genet – Untitled
SVENSKA Mette Genet arbetar i sin konstnärliga praktik med ämnen som identitet, tillhörighet och navigering mellan kulturer. I sitt arbete undersöker hon med nyfikenhet sin egen dansk-etiopiska bakgrund.
Hon använder element från den digitala världen för att skapa en ny berättelse. Genom 3D-avatarer, traditionell etiopisk musik, föremål och ritualer bjuds betraktaren in att delta i denna virtuella ceremoni. Genom detta arbete utforskar hon begreppet transformation, särskilt hur föremål och ritualer genomgår en förändring när de förflyttas från sina ursprungliga kulturella sammanhang.
ENGLISH Mette Genets artistic practise is a study on identity and the experience of navigating between cultures. Her work is curiously looking into and examine her own Danish-Ethiopian background.
She is using elements from the digital world to create a new narrative. Through 3D avatars, traditional Ethiopian music, objects and rituals the viewer is invited to participate in this virtual ceremony. Through this work she explores the concept of transformation, particularly how objects and rituals undergo a change, when they are removed from their original cultural contexts.
__________
Hilma Hedin – Leken/The Play
SVENSKA Hilma Hedins konstnärliga praktik tar utgångspunkt i barndomen och har en nära koppling till betraktarens fantasier. Genom det iscensatta fotografiet undersöker Hilma Hedin mänskligt beteende och interaktion. En viktig del av Hedins konstnärliga praktik är det analoga mörkrumsarbetet där hon fysiskt får närma sig det fotografiska materialet.
I serien Leken skildras yttre och inre processer där det dramatiska står sida vid sida med det banala. I bilderna syns personer uppslukade av en rörelse eller tanke, vilka erbjuder utrymme för betraktaren att reflektera över de vanliga och ovanliga ögonblick som livet består av. Scenerna Hedin bygger upp pendlar mellan lek och allvar, samtidigt som de subtilt refererar till, och kommenterar verkligheten.
ENGLISH Hilma Hedin’s artistic practice is rooted in childhood memories and is closely linked to the viewer’s fantasies. Through staged photography, Hilma Hedin examines human behavior and interaction. An important part of Hedin’s artistic practice is the craft of analog photographic printmaking which enables her to physically engage with the photographic material.
In the series The Play, external and internal processes are depicted as a place where the dramatic coexists with the mundane. The images show individuals absorbed by a movement or thought, offering space for the viewer to reflect on the ordinary and extraordinary moments that life consists of. The scenes Hedin constructs oscillate between playfulness and seriousness while subtly referencing and commenting on reality.
__________
Nicola Helin – Dream Catchers
SVENSKA Nicola Helins konstnärliga praktik sträcker sig över olika medier, men är alltid rotad i den fotografiska bilden. Hennes verk präglas ofta av krockar och en känsla av något kusligt.
Verket Dream Catchers hämtar inspiration från både nattliga och dagtida drömtillstånd. Det speglar det undermedvetnas flytande bildspråk, där tankar och bilder sömlöst smälter samman. Genom att kombinera den fotografiska ögonblicksbilden med långsamma och tidskrävande tekniker som stickning försöker Helin kapsla in flyktiga impulser. Att arbeta med en långsam metod är ett sätt att ge impulsen omsorg genom en motsägelsefull materialprocess. Genom att lägga material i lager och korsa tekniker konstruerar Helin sin egen icke-linjära värld av fragment av bilder och känslor.
ENGLISH Nicola Helin’s artistic practice spans across diverse mediums, but is always rooted in the photographic image. Her works often embody clashes, and a sense of something uncanny.
The work Dream Catchers draws inspiration from both nocturnal and daytime dreamstates. It reflects the fluidity of imagery in the subconscious, where thoughts and images seamlessly merge. By combining the photographic snapshot with slow and time consuming techniques such as knitting, Helin attempts to encapsulate fleeting impulses. Working with a slow method is a way of giving the impulse care through a contradictory material process. By layering materials and crossing techniques, Helin constructs her own nonlinear world from fragments of imagery and emotion.
__________
Rasmus Holm – Vittring
SVENSKA I sin konstnärliga praktik arbetar Rasmus Holm återkommande med fotografiska serier som berör relationen mellan människa och natur. Under tusentals år har människan anpassat sig till naturen och dess skiftningar. Vi har navigerat med hjälp av stjärnorna och funnit sätt att leva i ett föränderligt landskap. I den rådande antropocentriska tidsåldern ser förhållandet annorlunda ut – naturen anses finnas till för människan och inte tvärtom.
I serien Vittring sätts vårt nuvarande förhållande till naturen i gungning. Verket låter oss återgå till en mystisk tillvaro, då naturen ansågs besjälad och människan stod närmre djur- och växtriket. Genom att beslöja och mystifiera människans relation till naturen, ställs betraktaren inför det outgrundliga.
ENGLISH In his artistic practice, Rasmus Holm repeatedly works with photographic series that adress the relationship between humans and nature. For thousands of years, humans have adapted to nature and its changes. We have navigated by the stars and found ways to live in an altering landscape. In the current anthropocentric age, the relationship is different – nature is considered to exist for humans, not the other way around.
In the series Vittring, the current relationship with nature is questioned. The work allows for a return to a mysterious existence, when nature was considered spirited and humans had a closer connection to the animal and plant realm. By veiling and mystifying the human relationship with nature, the viewer is confronted with the inexplicable.
__________
Mathilda Läckberg Holmquist – BRB
SVENSKA Mathilda Läckberg Holmquists konstnärliga praktik väver samman fotografi med olika material och föremål för att aktivera kollektiva minnen av tid och rum. BRB (Be Right Back) är en term från internets tidiga chattforum som signalerar tillfällig frånvaro från datorn. I detta verket kopplar Läckberg Holmquist begreppet BRB till en sorts mental frånvaro i sin omgivning. Bildmaterialet bygger på observationer av olika rastlöst kodade beteenden som uppkommer i ett sådant tillstånd. Genom att addera projiceringar på bildmaterialet för att sedan avfotografera det på skärmar uppstår en dialog mellan innehållet och den hyper digitala estetiken.
ENGLISH In Mathilda Läckberg Holmquist’s artistic practice, photography is intertwined with various materials and objects to evoke collective memories of time and space. BRB (Be Right Back) is a term from early internet chat forums signaling temporary absence from the computer. In this work Läckberg Holmquist connects BRB to a sort of mental absence in one’s surroundings. The visual material is based on observations of fidgeting behaviors that emerge in such a state. By adding projections onto the images and then photographing them on screens, a dialogue is created between the content and the hyper-digital aesthetic.
__________
Frida Lisa Carstensen Jersø – Dr. Frida / The Broken Back
SVENSKA Dr. Frida är ett självbiografiskt porträtt skapat genom medicinsk vetenskap. Materialet består av 12 års diagnostiska skanningar av konstnären och inspelningar från hennes sjukhusvistelser.
Videoverket innehåller bland annat PET-CT-, CT-, MR- och MRI-scanningar av Frida Jersøs egen kropp. Dessa typer av scanningar används inom medicinsk vetenskap främst för att se den metaboliska eller biokemiska funktionen hos vävnader, ben, muskler, fett, organ och blodkärl. Bilderna är en kombination av röntgenstrålar och datorteknik för att producera detaljerade tredimensionella bilder av kroppens inre.
Självporträttet visar allt från konstnärens hjärna och organ till metall och skruvar. vilket förevigar henne och ger en visuell dokumentation av den sjuka kroppen.
Videon innehåller ett ljudlandskap med inspelningar från sjukhuset, tillsammans med ambient och noise.
The broken back är en förstoring av en exakt 3D-kopia av ett metallimplantat som Frida Jersø har i ryggraden, efter en olycka år 2012 då hon blev förlamad efter ett fall.
ENGLISH Dr. Frida is A autobiographIcal portrait through medical science composed of material taken from 12 years of diagnostic scans of the artist and video recordings from the hospital.
The self-portrait through medical science contains PET-CT, CT, MR, and MRI scans of Frida Lisa Cartsensen Jersø. These scans are used by medical science primarily to observe the metabolic or biochemical function of tissues, bones, displaying bones, muscles, fat, organs, and blood vessels. The imaging procedure involves a combination of X-rays and computer technology to produce detailed images of the inside of the body.
The video reveals and preserves everything from the artist’s brain to organs, metal, and screws, immortalizing her, and providing a visual documentation of the sick body.
The video features a soundscape of recordings from the hospital, along with ambient and noise.
The broken back is an enlargement of an exact 3D replica of a metal implant that Frida Jersø has in her spine, following an accident in 2012 when she was paralyzed after a fall.
__________
Josefin Johansson Hedman – Sun-kissed puddle licker
SVENSKA ”sun-kissed puddle licker” är ett multisensoriskt konstverk som utforskar naturens reflektiva egenskaper. Med solens och månens reflektioner på vattnet som visuellt material och ljud från olika geologiska områden skapas ett ljus- och ljudlandskap som relaterar till Albedo-skalan, ett mått på olika ytors reflektionsförmåga.
Genom att sammanväva ljud och video skapas en dynamisk interaktion där ljusmängden och ljudfrekvenserna synkroniseras, vilka speglar solens och månens dragningskraft på vattnet. Betraktare bjuds in att utforska naturens reflektioner och hur det påverkar våra förnimmelser av vår miljö.
ENGLISH “sun-kissed puddle licker” is a multi-sensory work of art that explores the reflective properties of nature. With the reflections of the sun and moon on the water as visual material and sounds from different geological areas, a light and sound landscape is created that relates to the Albedo scale, a measure of the reflectivity of different surfaces.
By interweaving sound and video, a dynamic interaction is created where the amount of light and sound frequencies are synchronized, reflecting the gravitational pull of the sun and moon on the water. The viewer is invited to explore nature’s reflections and how it affects our perceptions of our environment.
__________
Lisa Pettersson – Expedition Earth: Chapter I-III, 2020-2024
SVENSKA I fantasyäventyret reser karaktärerna mellan den dystopiska jorden och utopin för att dokumentera allt levande. Som kollegor ska flickan och vargen kidnappa en människa – ett utdelat uppdrag som får oväntade vändningar.
Med Lisa Petterssons egna fotografier, 3D-grafik och animation skapar hon digitala fotografiska montage som inspireras av romantikens landskapsmålningar. I hennes universum vill hon belysa klimatförändringarna och bjuda in betraktaren till en verklighetsflykt.
Videoverket visar lougglan i verklig skala och är riggad och animerad i 3D-programmet Blender.
ENGLISH In this fantasy adventure, the characters travel between a dystopian Earth and a utopia on a quest to document all living things. As colleagues the girl and the wolf are tasked with kidnapping a human – a mission that takes unexpected turns.
With Lisa Pettersson’s own photographs, 3D-graphics and animation, she creates digital photomontages inspired by paintings from the Romantic Period. In her universe she tries to bring attention to climate change and create an escape from reality for the viewer.
The video shows the lynxowl in full size and is rigged and animated in the 3D-software Blender.
__________
Rasmus B. Strøyer – All Things Return (#1-6)
SVENSKA I All Things Return utforskar Rasmus B. Strøyer de fysiska egenskaperna av sex vardagliga fotografier som har köpts från marknadsplatser på nätet. Konstnären använder fotografiernas tvetydighet som en konkret ingång till djupare frågor om existens och upplevelsen av tid.
Genom att använda en fysisk avgränsning i form av en passepartout och olika redigeringstekniker, utforskar Strøyer en icke-linjär tolkning av tid och omfamnar den som ett dynamiskt samspel av ögonblick. Betraktaren uppmanas att omvärdera varje bilds potential samt reflektera över minnets flytande och seendets subjektiva karaktär.
ENGLISH In All Things Return Rasmus B. Strøyer explores the physical properties of six everyday photographs purchased from online marketplaces. The artist uses the ambiguous appearance of the photographs as a tangible entry point into deeper questions about existence and temporality.
Using physical limitations in the form of passepartout and a series of editing techniques, Strøyer proposes a nonlinear interpretation of time, embracing it as a dynamic interplay of moments. Through this exploration, viewers are asked to reconsider each image’s potential and reflect on the fluidity of memory, and the subjective nature of perception.
__________
Andrea Lund Sørensen – Mellem før og efter (Inbetween before and after)
SVENSKA Centrala teman i Andrea Lund Sørensens konstnärliga praktik är systerskap, intimitet, kommunikation och sårbarhet.
Att dokumentera hennes och sin systers Facetime-samtal, har blivit ett sätt för konstnären att samla poesi och finna mening i vardagliga ritualer.
Den 16 mars 2024 dog deras bror i en tragisk olycka. Videoverket Mellem før og efter är en personlig skildring av sorg och omsorg som ses genom systrarnas samtal på Facetime, både för tiden före, och efter olyckan. På dagen för begravningen, utspelar sig samtalet dem emellan framför spegeln medan de sminkar sig tillsammans.
ENGLISH The central themes in Andrea Lund Sørensen’s artistic practice are sisterhood, intimacy, communication, and vulnerability. Documenting her and her sister’s FaceTime conversations has become a way for the artist to gather poetry and find meaning in everyday rituals.
On March 16, 2024, their brother died in a tragic accident. The video work Mellem før og efter
(Inbetween before and after) is a personal depiction of grief and care seen through the sisters’
FaceTime conversations, both before and after the accident. On the day of the funeral, the conversation between them unfolds in front of the mirror as they do their makeup together.
__________
Gloriya Talebi – ﯾﮑﯽ ﺑود ﯾﮑﯽ ﻧﺑود (Yeki Bood Yeki Nabood)
SVENSKA Yeki Bood Yeki Nabood, som översätts till ‘En var där och en var inte där’, fungerar som en portal till Gloriya Talebis berättande. Likt den tidlösa ‘Det var en gång’, anspelar sig titeln på metoden av uppbyggda narrativ som grundar sig i familjearkivet. Utställningens fyra verk gestaltar Talebis utforskande av oerfarna skeenden. Bundet av fantasi, tradition, och symboler hon ärvt från sitt iranska ursprung. Verken som visas får sin fysiska kropp genom skiftandet av material, där en handknuten matta med textiltryck kombineras med solida aluminium-porträtt.
Ur en besatthet av änglar, älvor och vingar används bland annat arkivbilder på hennes mamma som en utgångspunkt för att närma sig ett förkroppsligande av en karaktär. Minnen återupplivas och myter får liv. Nya mytologiska varelser gestaltas.
ENGLISH Yeki Bood Yeki Nabood, which translates to ‘One Was There and One Was Not There’, serves as a portal into Gloriya Talebi’s storytelling. As the timeless ‘Once Upon a Time’, the title alludes to the method of forming narratives rooted in the family archive. The four works within the exhibition give form to Talebi’s exploration of inexperienced perceivings. Bound by imagination, tradition, and symbols inherited from her Iranian heritage. The works are materialized through the shifting of mediums, where a handwoven carpet with a textile print is combined with solid aluminum portraits.
Through an obsession with angels, fairies and wings, archival images of her mother are used as one of the starting points to approach an embodiment of a character. Memories resurface and myths come to life. New mythological creatures are shaped.
__________
Johan Holst Zwergius – The Seventh Circle (Silent Reminder)
SVENSKA I Johan Holst Zwergius konstnärskap är de allegoriska och metaforiska elementen överordnade. Han förenar det fotografiska mediet med sitt intresse för historiska perspektiv, okonventionella berättelser och vikten av minne.
Det långvariga pågående projektet fokuserar på att visuellt tolka Dantes Den Gudomliga Komedin, specifikt skildringen av helvetet. Den sjunde cirkeln, eller våldscirkeln, är en av de djupaste och mest ondskefulla cirklarna, dit personer med våldsamma tendenser mot andra och sig själva skickas.
Genom de nio fotografierna framträder olika föremål med en historisk koppling till våldshandlingar. Zwergius ger med detta projekt en kommentar som antyder att världens historia, är våldets historia.
ENGLISH In Johan Holst Zwergius’ practice the allegorical and metaphorical elements reign supreme. The photographical medium acts as the unifier for the artists interests in historical perspectives, unconventional narratives, and the importance of memory.
This project is a part of the artist’s long-form ongoing work about visually translating Dante’s Divine Comedy and the depiction of hell herein. The seventh circle, also known as the circle of violence, is one of the deepest and most vicious circles, and the place where people with violent tendencies towards others and themselves are sent.
Nine photographs show a variety of objects with a historical connection to violence, in a poignant commentary to insinuate that the history of the world is the history of violence.
__________
Kirstine Autzen – In Tender Terrain
SVENSKA Kirstine Autzen arbetar med experimentella och överlappande tekniker i ett ’more-is-more’-upplägg. Hon betonar processerna för att fotografera och utforskar teman som hybriditet och förgänglighet.
“In Tender Terrain” är en visuell resa in i växtvävnadens mikrokosmos. I ett försök att blanda analoga och digitala metoder lät hon nyplockade maskrosor smälta samman med skrivarbläck i en plastficka. När material började brytas ner och spricka använde hon dem som fotografiska negativ i färgmörkrummet. Genom att manipulera skala, färg och textur söker Autzen ett abstrakt uttryck som öppnar sig i ett mycket bredare fält av associationer.
ENGLISH Kirstine Autzen works with experimental and overlapping techniques in a ‘more-is-more’ approach. She emphasizes the processes of making photographs and explores themes such as hybridity and impermanence.
“In Tender Terrain” is a visual journey into the microcosm of plant tissue. In an attempt to mix analogue and digital practices, Autzen left freshly picked dandelions merge with printer ink inside a plastic sleeve some summers ago. When the material began to decompose and crack, she used the sleeves as photographic negatives in the colour darkroom. By manipulating scale, colour and texture, Autzen seeks an abstract expression that opens up into a much wider field of associations.
__________
Lana Đurđek – Going Nowhere Fast
SVENSKA ‘Going Nowhere Fast’ is a project that explores the layers of everyday life and its routines. By using her curiosity and leaning on the Situationsist philosophies, the artist explores how she interacts with her surroundings.
How do places shape us and how do we shape places?
‘Going Nowhere Fast’ is an ongoing project situated on Hisingen, Gothenburg. By using a set of written proposals and daily tasks, the artist explores her neighborhood in a city she recently moved to.
The instructions provide guidance, an idea, a possible outcome rather than a “successful„ one. The instructions indirectly touch upon the question of what we are “allowed” to do within the context of urban space and our daily life.
ENGLISH “Going Nowhere Fast” är ett projekt som utforskar vardagens lager och dess rutiner. Genom att använda sin nyfikenhet och luta sig mot den situationistiska filosofin utforskar konstnären hur hon interagerar med sin omgivning.
Hur formar platser oss och hur formar vi platser?
“Going Nowhere Fast” är ett pågående projekt på Hisingen i Göteborg. Genom att använda en uppsättning skrivna förslag och dagliga uppgifter utforskar konstnären sitt grannskap i en stad hon nyligen flyttat till.
Instruktionerna ger vägledning, en idé, ett möjligt resultat snarare än ett “framgångsrikt”.
Instruktionerna berör indirekt frågan om vad vi är “tillåtna” att göra inom ramen för stadsrummet och vårt dagliga liv.
__________
Eva Vei – Blyertspenna
SVENSKA Eva Veis arbete kretsar kring föreställningar om kommunikation och intimitetsfrågor i vardagliga interaktioner. Genom icke-linjära visuella berättelser tar hon upp frågor om samhörighet och tillhörighet samt utforskar fotografi som verktyg och språk.
I projektet “Blyertspenna” bygger hon närhet till sin kusin, Kristina, genom fotografiet. Kristina är autistisk och kommunicerar inte verbalt. Vei väljer att fokusera på den penna som hennes kusin alltid håller i, ett föremål som har förlorat sitt ursprungliga användningsområde och rekontextualiserats som en symbol för tröst. Genom att använda seendet som ett sätt att kommunicera, en annan form av språk, knyter de an till varandra. I ett pågående samspel iakttar de pennan och varandra.
ENGLISH Eva Vei’s work revolves around notions of communication and intimacy within everyday interactions. Through non-linear visual narratives, she tackles issues of connection and belonging, exploring photography as a tool and as a language.
In her series, “Blyertspenna”, she builds intimacy with her cousin, Kristina, through photography. Kristina is autistic and does not communicate verbally. Vei chooses to focus on the pencil that her cousin is always holding, an item that has lost its original use and has been recontextualized as a token of comfort. Practicing sight as a way of communicating, as a different form of language, they connect in an interplay of observing the pencil and each other.
__________
Ronya Hirsma – Second Guessing Sentence
SVENSKA Ronya Hirsmas verk kretsar kring vardagen och domesticitet. I sina fotografier letar hon efter spänningar och suggestivitet, som antyder olika tolkningar utan att helt befästa dem.
Serien utspelar sig i hemmets kontext. Hirsma använder fotografi för att överbrygga gränsen mellan den fysiska verkligheten och det psykologiska fältet. Hon fascineras av känslomässigt laddade upplevelser som undandrar sig rationalisering och som uppstår i mötet mellan det välbekanta och främmande. Genom de situationer som skildras i bilderna tar Hirsma upp den komplexitet som finns i det dagliga livet. Hon uppfattar ett fotografi som ett försök att se bortom.
ENGLISH Ronya Hirsma’s works revolve around everyday life and domesticity. Within her photographs, she looks for tension and suggestiveness, as well as hints at various interpretations without fully resolving them.
The series is set within the context of the home. Hirsma employs photography to traverse the boundary between physical reality and the psychological realm. She is intrigued by emotionally charged experiences that elude rationalization, emerging from encounters between the familiar and the unfamiliar. Through the situations depicted in the images, Hirsma addresses the complexity inherent in daily life. Followingly, she perceives a photograph as an attempt to see further.
__________
Karin Holmer – Furia
SVENSKA Karin Holmer arbetar multidisciplinärt med utgångspunkt i berättandet och ett inre bildskapande. Hon utforskar situationer av kontroll, manipulation och inneboende maktstrukturer.
Detta verk handlar om 42 kvinnor som var patienter vid Umedalens sjukhus i Umeå under 1940-talet. Dessa kvinnor, som ansågs vara särskilt “besvärliga” enligt dåtidens normer, genomgick alla lobotomi.
Med utgångspunkt i patientjournalerna kastas ljus över deras liv och därigenom även samhällets tillkortakommanden och tillhörighetens skörhet.
Rösterna i ljudverket är citat från kvinnorna funna i patientjournalerna, här gestaltade med röster från Mariakören i Umeå. Boken innefattar institutionens röst, nedtecknat av konstnären under hennes besök på arkivet.
ENGLISH Karin Holmer’s multidisciplinary work revolves around storytelling and internal imagery, exploring situations of control, manipulation and inherent power dynamics.
This work is about 42 women who were patients at Umedalens mental hospital in Umeå during the 1940s. These women, considered to be exceedingly “difficult” by societal standards of the time, all underwent lobotomies.
Through extracts from the patient records their stories are brought to light, showing the shortcomings of society and the vulnerability of belonging.
The sound piece is made with quotations from the women found in the patient journals and vocalized by Mariakören in Umeå. The book contains the voice of the institution, collected by the artist on her visits to the archive.
__________
Lisa Paulsson – Welcome, it’s been long since your last visit
SVENSKA Lisa Paulsson utforskar intima relationer, kroppsligt förankrade upplevelser och sociala gränser genom happenings som metod för att undersöka hur man kan luckra upp dessa gränser. Vad innebär det att vara nära någon? Vad innebär det att vara närvarande? Att dela närvaron?
I detta arbete bjuds du in att dela denna upplevelse med konstnären, genom ljud, stödjande beröring, viktpåläggning samt en guidad promenad. Paulsson inbjuder till en upplevelse som formas av egna minnen och erfarenheter, väckta av vad du hör och känner.
Dokumentationsvideon gjordes innan den aktuella happeningen som en del i konstnärens sökande samt påvisar skillnaden mellan att vara i upplevelsen och att betrakta den utifrån.
ENGLISH Lisa Paulsson explores intimate relationships, bodily experiences, and societal boundaries using happenings, as a method for researching how to break through these walls. What does it mean to be close? What does it mean to be present? To be present together?
In this work you are asked to share the experience with the artist. Through sound, light touch, weights, and a guided walk. Paulsson invites you into an interaction shaped by your own memories and encounters while influenced by what you hear and feel.
The video: the documentation was made before the actual Happening as a part of the artist struggles of mediating the live experience.
__________
Christoffer Rutström – Walk
SVENSKA Walk är en serie bilder där vi får följa en person som går längs en skogsväg. I bakgrunden är ett skogslandskap i en urlakad färgskala. Mängden av fotografier skapar en samlad bild av en promenad. Verkets repetitiva bildinnehåll och gångens enformighet erbjuder föga i termer av konventionell spänning.
Verkets varaktighet strider mot den snabba och slående bilden, en standard dikterad av media och reklamindustrin. En standard som uppehålls av sociala mediers uppmärksamhetsekonomi vilken håller vår koncentration i ett järngrepp.
Christoffer Rutström är intresserad hur vi upplever oss själva och påverkas av det som omger oss.
ENGLISH Walk is a series of images which follows a person walking on a forest road. In the background is a wooden landscape in muted colours. The large amount of pictures form a single cohesive image of a walk. Building upon a sense of boredom of the act and repetitive nature of the images the work offers little to no conventional excitement.
The duration of the piece goes against the quick and striking image; a standard set by media and the advertising industry. A standard perpetuated by social media’s economy of attention seeking, which currently has a strangle hold on our ever decreasing attention span.
Christoffer Rutström is interested in how we perceive ourselves and are affected by what surrounds us.
__________
Anna Schlechter – Toilet Theories
SVENSKA Institutet för tid: Forskare arbetar hårt för att hitta ett sätt att stoppa tiden. De lyssnar på toaletterna och översätter toner till siffror. De forskar oavbrutet för att nå sitt mål. Men klarar de att göra det innan tiden rinner ut?
Anna Schlechter använder det absurda som begrepp för att visa på hur strävan och förståelse ofta misslyckas med att förhålla sig till verkligheten. Hennes verk innehåller återkommande en performativ aspekt och referenser till den västerländska konsthistorien. Videoverket “Toilet Theories” utforskar tiden som vardaglig erfarenhet, som kännetecknas av det absurda och undandrar sig omedelbar förståelse.
ENGLISH The Institute of Time: scientists are working hard to find a way to stop time. They listen to the toilets and translate tone into numbers. They constantly research to achieve their goal. But can they make it in time before time runs out?
Anna Schlechter draws on the absurd as a concept that deals with how aspiration and understanding fail to meet reality. Her work often contains a performative aspect as well as references to the canon of Western art history. The video piece “Toilet Theories” reflects on time as an everyday experience, characterised as absurd and evading immediate comprehension.
__________
Jaana Sundström – Growth (Jag har varit ingen och berusats av att inte behöva vara någon)
SVENSKA Med kroppen som utgångspunkt behandlar Jaana Sundströms arbeten ämnen såsom äckel och lust, queerteori och kroppsliga förnimmelser.
Growth (Jag har varit ingen och berusats av att inte behöva vara någon) är ett cykliskt verk, uppdelat i fem kapitel, utan vare sig början eller slut. Tillsammans berör kapitlen upplevelsen av att återupptäcka, forma om och bygga upp sin kropp, sin relation till omvärlden och, framförallt, sig själv. Det är ett kritiskt ifrågasättande av vad som har varit, med en längtan efter förändring.
ENGLISH Using the body as a starting point Jaana Sundström’s work addresses topics such as disgust and lust, queer theory and physical sensation.
Growth (Jag har varit ingen och berusats av att inte behöva vara någon) is a cyclical work, divided into five chapters, with neither beginning nor end. Together the chapters address the experience of rediscovering, reshaping and rebuilding one’s body, one’s relationship with the world and, above all, oneself. It is a critical questioning of what has been, with longing for a change.
__________
Johan Windle – Feed
SVENSKA 2022 laddade Johan Windle ner TikTok-appen för att bedöma om den var lämplig för hans äldsta dotter. Det var den inte. Men han blev själv fängslad, framförallt av appens livesändningar. Driven av nyfikenhet och en vilja att fånga de komplicerade men vackra nyanserna inom den digitala världen, började han fotografera av de pågående livesändningarna på sin skärm.
I ”Feed” arbetar Windle med analoga tekniker då de tjänar som en motvikt till det snabba flödet i dagens sociala medier-landskap. Genom att framställa mörkrumskopior ger han sin fulla uppmärksamhet åt varje bild och individ som porträtterats i hans fotografier. Detta är en tidskrävande process men ger utdelning i form av de taktila kvaliteterna hos silver-gelatin kopiorna.
ENGLISH In 2022 Johan Windle downloaded the TikTok app to evaluate if it was age-appropriate for his oldest daughter. It wasn’t. Yet he was captivated himself, especially by the live streams. Driven by curiosity and a desire to capture the complex yet beautiful nuances within the digital world, he began to take photographs of the ongoing live streams on his screen.
In ”Feed”, Windle is working with analog techniques as it serves as a counterweight to the fast-moving pace of the social media climate. By printing the pictures in the darkroom, he is giving his full attention to each image and individual featured in his photographs. This slow and tedious process is rewarded by the tactility of the silver gelatin prints.
__________
Nina Worren – Skin Studies / Shell Faces
SVENSKA Nina Worrens multidisciplinära praktik är förankrad i fotografi. Hon är intresserad av naturen, mänskliga relationer, kopplingar mellan kropp och själ; hur vi rör oss i världen, vad vi ser och känner och varför. Worrens verk är ofta autofiktiva och använder hennes eget liv, drömmar och minnen som källa. I hennes medieringar finns inslag av taktilitet, tid, närhet och tystnad.
Som det största organet håller huden ihop vår kropp och vårt sinne, omfamnar och skyddar oss. I Skin Studies undersöker Worren huden, dess mångfald och likheter samt relationerna mellan olika sorters hud. Från jordens yta till under vattenytan, människor, fauna och flora.
Ett ord, en tanke, en beröring, varma eller kalla sinnesförnimmelser.
Kan hud minnas? Kan hud bära på berättelser?
ENGLISH Nina Worren´s multidisciplinary practice is rooted in photography. She is interested in nature, human relations, mind-body connections; how we walk in the world, what we see and feel, and why. Worren´s works are often autofiction, using her own life, dreams, and memories as source. Present in her mediations are elements of tactility, time, closeness, and silence.
As the largest organ, skin holds our body and mind together, embraces us, and protects us. In Skin Studies, Worren investigates skin, the diversity and similarities, and the relations between skins. From the surface of the earth to under water, humans, fauna, and flora.
A word, a thought, a touch, or warm or cold sense sensations.
Can skin remember? Can skin carry stories?
__________
Tom Zelger – Burning Bridges
SVENSKA Tom Zelgers tankeväckande verk fördjupar sig i det intrikata samspelet mellan sociopolitiska spänningar och deras djupgående inverkan på både mänskligt och icke-mänskligt liv.
I ”Bränna Broar” berättar Zelger en historia om (Skånes) skogar och uppmanar till ett paradigmskifte i hur vi uppfattar dessa ekosystem och deras invånare som ett enhetligt kollektiv. Genom att tillföra biokemiska substanser från skogen i sin konstnärliga process avslöjar Zelger ekosystemets unika karaktär, synlig i subtila avtryck på filmytor.
Samtidigt väcker hans dokumentation av kalhyggen, och bilder av förstörelsen på det insamlade träet, tankar om mänsklighetens utveckling och den inverkar på de globala ekosystemen, och inspirerar till djup reflektion över vårt kollektiva ansvar.
ENGLISH Tom Zelger’s thought-provoking works delve into the intricate interplay of socio-political tensions and their profound impacts on both human and non-human life.
In “Burning Bridges”, Zelger narrates the story of (Skåne’s) forests, urging a paradigm shift in how we perceive these ecosystems and their inhabitants as a unified collective. By infusing forest-collected biochemical substances into his artistic process, Zelger unveils the ecosystem’s unique character, visible in subtle imprints on film surfaces.
Simultaneously, the documentation of clear-cutting inspires deep reflection on our collective responsibility. The images of this destruction are printed on gathered wood and ignite contemplation on humanity’s course and its repercussions on global ecosystems.
__________